马良的作品

马良为他的“移动照相馆”计划绘制的设备清单图

　　以马良的话来说，他现在已经“离群索居”——自从威海路696创意园区关闭后，他把工作室搬去了松江泗泾。采访当天，他一早从松江赶往宝山，再从宝山直冲浦东金桥，最后再来到他最新展览《移动照相馆》的展出地，外滩18号的18画廊。

　　马良形容这是一次“翻山越岭”的采访。在他看来，搬去郊区，让他有些脱离这个社会，他希望用《移动照相馆》这样“桃花源”般的形式，把艺术中最美的那部分，也就是人与人之间的微妙关系，通过创作，展现出来—这是马良内心细腻的一次诠释，可他却说得霸气：“让我把高高在上的艺术从神坛上拉下。”

消除对弈关系 只当一个幕后影像记录者



　　这次在18画廊的展览，其实是马良2012年摄影计划的预演——过完春节，或过完情人节，马良将带着他的5个兄弟，驾驶一辆 长4米，宽2米，装满器材的大卡车，再加一辆载人面包车，花7个月的时间，沿着国道一站一站开，穿越中国，到包括上海在内的55个城市，为他生活在各地的朋友们拍照。

　　一走进展厅，关于此次计划的《道具清单》作品赫然出现。“我们会带摄影摄像设备、道具、布景、服装、打印机、灯光器材、发电机等近60样器材，并把卡车作为背景，创造出一个可移动的老式照相馆。”说起这个即将动身的计划，马良一脸兴奋与期待，仿佛是个等待去郊游的孩子，内心难以压抑蠢蠢欲动的喜悦。
“我肯定，那是一次浪漫而温馨的艺术行动。”

　　马良表示，这个老式照相馆的摄影计划不会特别“艺术”，相反，却是充满快乐、温暖和即性。“作为一个会摄影的人，我能送给朋友最好的礼物，就是一张‘由马良亲手拍摄的照片’。我打算拍500个人，我没有办法给他们500种造型，但我可以通过老式照相馆的形式进行创作。我会准备40、50件不同的衣服供他们选择，如果他们觉得穿自己的衣服拍更好，我并不反对，如果他们觉得我的方法更好玩，那我就会以马良的方式进行。”

　　相比以前的作品，比如融入这次展览的一些马良旧作——2007年至2008年的《草叶集》系列、2008年的《小旗手》系列、2008年的《琥珀》系列以及2009年的《失败之作》系列——此次的《移动照相馆》消除了被拍者与拍摄者之间的一种对弈。


　　“在早前的作品中，我是主导，我展示我的思想，其他人都是我的演员，我是绝对的导演。可这次，主角换成了被我拍摄的朋友们，而我，只是一个站在幕后给他们记录影像的人。”马良说。

回望旧时记忆 构建“马良的奇幻世界”

　　其实，马良口中的这场预演，是为了让大家知道《移动照相馆》究竟是要展现怎样的概念。于是，在画廊中央，6幅名为《我的照相馆》作品都在展示同一种语言——童趣。

　　这些作品组成了一面有魔力的镜子。在镜子里，年轻的男女用捕捉蝴蝶的网捕捞漂浮在空中的时钟；一艘漂浮在用蓝色棉布当作河水的船上，穿海魂衫的小孩羡慕地望着漂亮的大姐姐；在粉红棉絮云彩的包裹下，热气球真在缓缓升起；身穿超人服的夫妇似乎正准备去拯救世界……这些充满乐趣的布景下，作品带来了一种戏剧性和仪式感。

　　“过去，去照相馆是一件郑重的事，一种仪式。有时我们以为随手可得的事，原本其实来之不易。”马良说。


　　在6幅作品旁，还展出了马良当时创作的手稿，而在展览现场，纸板制成的小道具被巧妙地摆放在各个位置，白兔、蘑菇、飞机……这些花心思的小道具，让展览不再只有冷冰冰的作品，整个现场充满“爱丽斯梦游仙境”的奇幻感。

　　马良说：“我本来还想把卡车放进来，但后来觉得太过异想天开，就放弃了。” 他透露，其实在去年，他便有了一个“搭建照相馆”的计划，“我要建造一个自己的照相馆，尽量保留传统的摄影方式，但也加入我所能提供的有趣的情景和创造性。”


　　在最早的696创意园区的工作室里，马良搭建了一个“照相馆“，也就是《我的照相馆》这些作品中的布景。而当这些作品刊出后，很多人纷纷希望马良可以将这个“照相馆”搬到不同的城市去，于是，“移动照相馆”的概念就从马良的脑海中出现了。


　　概念出来，实验立即启动，而被马良戏称“实验品”的这6幅《我的照相馆》作品相当成功。 “之后拍摄照片的形式也将是这样的——红色的帷幕、趣味的道具、复旧夸张的服装……欢迎大家来到马良的奇幻世界。”

　　显眼的红色帷幕是源自马良儿时的记忆。马良说，“我出身戏剧世家，父母都是搞戏剧的，小时候每天都在红色的幕布后面看那些叔叔阿姨演戏，他们一踏出去就进入角色，下台后，就都朝着我嘻嘻哈哈……当时给我留下了很深的印象。”


　　停顿了一会，他又说“这次我会选择红色大幕作为背景之一。或许是下意识的，有或许是对旧时记忆的一次回望。”

　　B=《外滩画报》 M=马良

B：你曾说，这次《移动照相馆》的拍摄，将完全不做任何后期效果，如此坚定的理念从何而来？


M:的确是这样。但对于如今充满所谓视觉效果的摄影作品，我也并不反感。其实，我最初也是一个photoshop大王，喜欢在颜色上进行后期处理。然而这一次，我要让自己不靠photoshop，就可以把照片拍得很好看。此外，今后在路上拍摄，我也没时间去进行后期处理，每拍完一个朋友，我直接在现场把照片打印出来，对方一张，我留存一张。
这次《我的照相馆》的6幅作品，就完全没有任何后期处理(除了一张要展示魔术师表演内容的作品稍稍动了手脚)。我摒弃了白光，主要选择暖色灯光，让作品的颜色很漂亮、鲜艳、饱和度很高，让我非常满意。

　　“移动照相馆”摄影计划的001号作品最近已经拍摄完成，是为一个从奥地利回国的探亲的朋友拍摄的。大家玩得非常尽兴，而且作品完成的效果也非常不错。



B：听说你收集了5000多张各式老照片，这些照片是不是也是《移动照相馆》的灵感之一？


M：大约5年前，我开始系统地收藏中国各个时期的照相馆照片，虽然和我的职业有那么一些关联，但其中最让我感动的，却是照片里的时间感和生命的存在感。而且，老照片中人的状态都很好玩。
我想通过这次摄影计划唤起大家的记忆。因为照相馆这个事物，随着数码科技的普及已经式微消亡。以前拍照是很神圣的事，当时很少有人有照相机，可现在摄影却很简单，每个人都拥有一台照相机，躺在床上可以拍自己的裸照，然后通过Photoshop，一张“快餐式”照片就诞生了，摄影的**感和仪式感荡然无存。
虽然现代人对摄影麻木了，老式照相馆也已经凤毛麟角，但我相信有些东西是不可取代的——照相馆摄影里那种陌生人之间即时的情感交流，以及追求照片“完美”的仪式感，总是很让人动容。


　　我现在还记得小时候在照相馆的拍照的经历，回想起来非常浪漫。当时文革刚结束，整个社会很凋零。然后前去了照相馆拍照，照相馆里奇形怪状的道具、各式各样的衣服、好看的假山亭台楼阁……会让当时被敌意、猜疑笼罩的人感觉到了另一个世界。这是一种高于当时社会现状的形式。

B:相比你这些充满童趣温暖的作品，当下很多年轻摄影师的作品中却弥漫着一种无法靠近的距离感，你怎么看待？

M： 很多年轻摄影师的作品有距离感，都在讲述残酷青春，有可能是他们还未对这个社会有一定的认识，年轻人总喜欢用距离来保护自己，仿佛世界永远欠他们的。或许，随着年龄的增长，他们会慢慢长大和变化。


　　我一直觉得，不应把艺术看得有多么高尚和深奥，艺术也有着充满趣味的一面。很多年轻人如今早早抛开了作品中蕴涵着朴素的一面，失去了地气。我还是喜欢每天要敲敲打打，做着实际的动作，否则我会对自己的艺术价值产生错误的判断，我只是想单纯地做自己喜欢的东西，否则我就去开画廊了。

B：《移动照相馆》的创作跨度要长达7个月，而且要穿越中国。你会一直乐在其中，直到结束吗？


M： 我从事摄影已经有8年了，今年是第9年。我发现，近来我挺懒的。以前一年可以创作7套作品，现在是一年只有一套。渐渐的，我发现工作中，能让我产生振奋的东西越来越少了。

　　加上如今住在郊区，我离开社会越来越远，我觉得我应该再一次进入“江湖”：穿越中国，与不同朋友见面，彼此喝酒吃饭聊天……
有时，告别安稳，进入一种动荡的生活，那是对现实生活的一种洗礼，而且很长时间在公路上行驶，势必会让人产生一种对现状的思考。


B：今后你在创作上有怎样的打算？

M：答：今年我正好40岁，又是传说中的“世界末日”，我对自己说，需要做些神圣的事。于是就策划了这次拍摄项目。 在我看来，如果世界毁灭了，那么我在有生之年也做了一件好事；如果世界没有毁灭，那么我的朋友们会记得——在那年都纷纷谣传世界毁灭的2012，有个胖子进入他们的生活，给他们拍了一张值得纪念的照片，那也就足够了。我认为艺术的终极目的就是安抚，是给予观众某种幸福感，我一直希望身体力行的为一些人做点什么，做些真正有用的艺术，而不仅仅是庙堂之上，拍卖鎚下的那些艺术作品，我更希望可以深入到现实生活里，让更多的人感受到艺术的快乐和分享。用个人行动和艺术工作为他人服务，不能让这物质时代的无力感把我们消磨掉。我不希望我作品只成为朋友们的电脑桌面，我期待我的作品能进入他们的生活，就如此一个朴素的意义。

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