构图营造立体感让你身临其境，充满时间味道的光线把你带回按下快门的那一刻，在夏天结束之前给女友拍一张融合了现场感、时间感的照片吧，这样你们就能在每次观看时再一次重温当时的美好氛围。

　　重回那一刻 拍出时间感最强的照片

　　光线不仅能用来造型，只要你悉心留意光线表现出的不同色温和特性，利用它们能非常巧妙地重现照片的时间感。

　　秋天就是要在黄昏拍摄

　　阳光最富于变化的时刻是清晨和黄昏，那时的光线较为柔软温润，在早上九点前和下午三点之后，都是具有舒适色温的时间点。而秋、冬季的黄昏比夏天黄昏的色温更显温暖厚实，也是选择重点拍摄的好季节。

　　以时间性来说，清晨阳光尚未显现或是夕阳西下后，所见景物特别偏蓝，仿佛就像蒙上了一层滤镜一般，而太阳升起，光线色温回复到白色后，于是物体的颜色得到还原，红就是红，绿就是绿。所以想让画面更有时间感，最好在清晨和黄昏拍摄。

　　提示：还原最真实的人物与场景，有时比“完美”的构图与曝光更重要!

　　Q：逆光拍人像一定要补光吗?达人解答：曾经有朋友请我帮忙看一下他的作品，大致是一位女孩站在逆光的屋檐底下，处在环境光偏暗的环境中，但从上半身至脸部却出现“容光焕发”的奇异景象，而且光是从下方来的，后来才知道，光源来自反光板。谈到为什么要打反光板，他说：“人是暗的啊!大家都说要这样打。” 如果你觉得正逆光形成的对比太强烈，不妨稍微变换角度，尽量用自然光还原真实效果。

　　有规律的背景更吸引人

　　当很多种较小物体不断重复成为一个较大的物体之时，视觉张力自然会形成力量;且势必存在更多造型填满了画面，如重复性的方、重复性的圆、重复性的多边形等，使其画面不会松散空洞，也同时具有凝聚效果，使空间感更显扎实。而群组当然有整齐划一的、也有大小不一、有正有斜的，所以我们所寻找的群组，尽可能选择富有韵律性的组合，如音乐节奏般跳跃生动、可强可弱、高低起伏、前后交错、长短不一，若是每个小单位都像孪生复制品，反而会略显呆板。

　　下午五点过后斜侧的阳光，照耀在画面的主角新娘身上，白纱绽放出反射光，明度以及质感表露无遗。若是接近中午左右拍摄，光源来自上方，那么不是重点的地面反而会表露无遗，而新娘便呈现暗面了。

　　逆光就要扔掉反光板

　　既然清晨和黄昏的光线是最有特点的，就可以多在此时段拍摄。那就一定会遇到如何驾驭“逆光”光线的问题。要想如实重现现场环境，光线就必须要合理：光的色温要合理，光的来源要合理，除非有特别的创作目的，如在逆光的时候需要人物明亮，那换个角度或是换个位置拍摄即可，如果要以逆光的角度拍摄，那么我就是要表现逆光的感觉。为什么不让拍摄出来的影像跟眼睛所见是同一种感觉? 不妨保留一些在逆光之下的情境和气氛吧!

　　此时拍摄容易出现面部曝光不足而背景过亮的问题，可以采取稍低机位或者侧逆光光位拍摄。

　　正逆光最有现场感，而且秋天逆光的颜色更温暖。拍摄时可采取低机位

　　侧逆光光效更容易掌握，既有逆光效果，也较容易避免人物面部全黑

　　这两张都是在同一时间、同一地点，用不同的测光模式拍摄的。不过上图是使用相机上的自动曝光锁(AE)，分别对窗外、窗内测光拍摄，共两次快门便简单地完成不同的光线氛围和视觉感受。

　　大师也是这么做的

　　相信各位对米勒的绘画并不陌生，1859年所完成的《晚祷》是米勒最著名的作品之一，描述一对农民夫妇在远处教堂钟声响起时，放下手上的工作，虔诚地祈祷。

　　如同画作名称──晚祷，我们可以感受到画中时间性的暗示，想必是工作了一天，太阳西下，在祈祷过后，便要回家吃晚饭了，看到的虽是静止一个画面，但却让我们联想到这个画面数小时前的过去与数小时之后的未来，这就是一张画面所传达的故事性。要达到这样的感觉，米勒是用了“逆光”。试想，若此张作品是以向光面来表现，即使是画面具有昏黄的阳光色调，那么黄昏的时间象征也不会那样的明显。就是因为我们在视觉上感受到逆光感受，加上人物动作，以及附属元素的搭配，所谓的“晚祷”和它的故事性，便可以说服观者。

　　重回那一地 立体感照片让你身临其境

　　想在看照片时再一次身临其境，就要利用前、中、后景，拉出空间的层次感和透视效果。“透视法构图”和“色调”都可以帮我们实现立体感。

　　换个角度 画面更有层次

　　从梅因德尔特? 霍贝玛(Meindert Hobbema)(1638–1709)开始，把画面结构转化为线性皆消失于远方的一点，道路两旁的树当然都是一样高，视觉上却使其近长远短让画面空间具有深远感。当时艺术家们皆偏好使用此技法来营造深远的三维空间。

　　在人像摄影时我们依然可以借鉴这个技法来体现画面的立体感。如上图拍摄时我原本是以站立的视角拍摄，以樱花树当背景来拍摄，忽然发现脚前就是低矮花圃，于是我蹲下贴近花圃当前景，于是空间从原本的两层变成了三层，红花绿叶贴近镜头被景深柔化掉，就像是画纸上的颜色渲染。我们在拍照时都要随时细心观察周边可以利用的元素，让画面更加丰富别致。

　　如果镜头垂直于花和人拍摄，会缺乏立体感

　　提示:在按快门的一刹那遵从灵感，暂时忘掉教科书吧!

　　Q：如何在短时间内既和模特沟通又要准确地构图?

　　达人解答：快速地按下快门当然是可以拍到较为自然的照片，而构图我只交给了“直觉”，在拍摄时只考虑拍照当下的视点给我的感觉是好还是不好，好就瞬间按下，不好则迅速移开。这需要长期对审美的培养与锻炼。为什么我会在这个时候按下了快门，一定是有原因的，所以才能在事后归纳出一个道理。但在那一瞬间，只是直觉，而不是在拍摄的当下还在思考或回想书上所说的一堆构图法则。

　　请使用长焦镜头压缩空间

　　超长焦距镜头不仅能把远景拉近，而且还能强烈地压缩空间，使得画面变得相当紧凑，又不会影响远离镜头的被摄对象。所以，用超长焦距镜头拍摄的画面更为简洁、精炼、饱满，能细致入微地描绘和再现景物的细节、质感，并能突出主体，虚化前景和背景。

　　由于超长焦距镜头可以相当有效地拉近被摄物体，强烈压缩画面的视觉空间，在透视效果明显减弱的基础上获得景物相互叠加的图案美感，也就产生了与广角镜头相反的变形力量。虽然透视效果差，但具有明显地压缩空间纵深距离和夸大后景的特点。

　　迷雾天气更能拍出纵深感

　　法国画家莫奈是印象主义创立者之一，他擅长描绘同一景致在不同的时间点造成不同的光线和空气下变化无穷的外貌，强调视觉的色彩经验感知，重视的不是物体本身，而是观察色彩变化的过程。单色会使复杂的景物单纯化，更能让观者聚焦 在人物眼神，选择正确的建筑结构角度拍摄，延伸背景空间。在雾天、阴天因为大气的透明度较低，使远处的景物更朦胧，颜色饱和度降低。

　　大师也是这么做的

　　通过观察我们可以发现，莫奈这张作品分为前中后三个部分，从近景的独树，跨过中景的湖泊，至远景的城市和远山。远景透过这之间的气层，传递到我们的视觉中自然降低了彩度(鲜艳浓度)而提升了明度(亮度)，远景本身的轮廓也更为模糊了。相较近景树的浓绿，反倒彼此轮廓变得更为明显，立即在画面的平面上拉出深远空间的假象。

　　大胆创造不平衡中的平衡

　　只需简单的几步，就让照片不平凡

　　一个符合美感的构图，平衡是个关键，也是成就一个画面成败最主要的重点。如果不平衡就会产生不安感，是未完成的构图。不过，如果像神殿建筑般完美的平衡又太过严肃，求取适当的平衡，感觉会比较自然。利用背景物平衡主体，或是利用颜色填补空白，一些小小的改变就能让画面更和谐。所以能在“不平衡当中求取平衡”， 我认为是更上乘的影像构图。

　　天空上的六条线其中一条比其他线条角度更为倾斜，加上被拍摄人物正好是抬起头来的，无形之中把重量感往上拉移，顺利地巩固了整张画面的稳定性。

　　木材被倾倒置放的面积都在画面右半部，而木材走向也是由左下往右上延伸。

　　如果人物向画面右上方观看，会让重心向右倾斜，但只要人物转头往左上方观看，从人物的眼睛到画面左上方的边界自然产生一条无形的线，减弱重心偏右的状况。